La chair et le squelette : accompagnement à l'écriture d'un spectacle

Du 14 septembre au 18 octobre 2026

Comment naît un spectacle de clown ? Comment transformer une intuition en une véritable œuvre scénique ? Comment construire une dramaturgie qui ne soit pas uniquement le produit de la réflexion, mais qui prenne racine dans le corps, les sensations, le jeu et la relation au public ? C'est à ces questions que répond « La chair et le squelette », une formation professionnelle exceptionnelle dirigée par Michaël Egard et Lou Crusson, destinée aux artistes du spectacle vivant désireux d'écrire ou de développer leur propre création.

Pensé comme un véritable laboratoire de recherche artistique, ce stage intensif de 154 heures accompagne les participants tout au long du processus de création d'un spectacle, depuis les premières intuitions jusqu'à une présentation publique. Il ne s'agit pas d'appliquer une méthode toute faite ni de repartir avec une mise en scène clé en main, mais de construire les fondations d'une œuvre personnelle. Les intervenants proposent un accompagnement permettant à chacun de découvrir son propre territoire artistique, de clarifier ses intentions et de trouver les outils nécessaires pour poursuivre son travail de création de manière autonome.

Au cœur de cette formation se trouve une conviction forte : le clown n'est pas uniquement un personnage comique mais une manière profondément sensible d'aborder la création. Avant d'être un résultat ou une performance, il constitue un espace de recherche où le corps, les émotions, les accidents, les intuitions et la relation avec les autres deviennent de véritables matériaux dramaturgiques. C'est cette approche qui guide l'ensemble du parcours pédagogique.

Tout au long des cinq semaines de travail, les stagiaires alternent en permanence entre le travail à la table et le travail au plateau. Les moments d'analyse et de réflexion permettent d'identifier les grandes lignes du projet, tandis que les expérimentations scéniques donnent vie aux idées et révèlent parfois des pistes inattendues. Cette circulation constante entre pensée et pratique permet de construire progressivement un spectacle vivant, organique et profondément personnel.

Les premières semaines sont consacrées à ouvrir les perspectives plutôt qu'à chercher immédiatement des réponses. Les participants prennent le temps d'explorer leurs idées, d'écouter les résonances entre leur propre projet et ceux des autres artistes, de laisser émerger des intuitions parfois insoupçonnées et de mieux cerner les thèmes qu'ils souhaitent développer. Cette phase aboutit à une véritable cartographie du spectacle, offrant une vision claire des grands axes de la création ainsi qu'une première mise en jeu au plateau.

La seconde partie du stage se concentre davantage sur chaque projet individuel. Les intervenants proposent alors un accompagnement personnalisé permettant d'affiner les choix dramaturgiques, de préciser les intentions artistiques, d'approfondir les situations de jeu et d'explorer les différentes possibilités offertes par chaque univers. Les stagiaires bénéficient de regards individualisés tout en continuant à nourrir leur travail grâce aux échanges avec le groupe. Cette dynamique collective constitue l'une des richesses essentielles de la formation, chacun apprenant autant en observant les autres qu'en développant sa propre création.

L'objectif n'est jamais de figer un spectacle mais bien d'apprendre à faire évoluer une écriture vivante. Les artistes travaillent ainsi à maintenir une disponibilité permanente face à ce qui survient sur scène. Les accidents deviennent des ressources créatives, les imprévus nourrissent le jeu, les sensations guident parfois davantage que les idées préconçues. Les intervenants encouragent les participants à accueillir pleinement le présent, à accepter les détours, à suivre leurs intuitions et à faire confiance aux mouvements spontanés qui émergent au plateau.

Une place importante est également accordée au langage propre du clown. Les stagiaires explorent toutes les formes d'expression qui composent cette écriture singulière : les souffles, les silences, les bégaiements, les paroles spiralées, la musicalité, les rythmes, les ruptures, les états de jeu, les changements d'énergie et les multiples façons d'entrer en relation avec le public. Cette recherche permet progressivement de faire apparaître une parole authentique et une présence artistique singulière.

Le travail dramaturgique constitue un autre axe majeur de la formation. Les participants apprennent à construire l'architecture complète de leur spectacle en s'interrogeant sur les nombreux éléments qui composent une création : le propos général, la petite histoire, la grande histoire, les motifs, les sous-motifs, les influences artistiques, les inspirations, les techniques utilisées, le rythme, la musicalité, la scénographie, la dramaturgie, les formes de langage, la parole et les esthétiques visuelles. Tous ces éléments sont progressivement organisés afin de constituer un véritable tableau de bord du futur spectacle.

Les artistes sont également amenés à expérimenter différentes postures au sein du processus de création. Tour à tour auteur, interprète et metteur en scène de leur propre travail, ils apprennent à prendre du recul sur leur projet, à observer leur création sous différents angles et à faire dialoguer ces différentes fonctions. Ils explorent également plusieurs chemins dramaturgiques afin de comprendre qu'un spectacle peut emprunter de nombreuses directions sans jamais perdre sa cohérence.

Le stage développe également une véritable qualité d'écoute. Les participants apprennent à devenir des spectateurs actifs, capables d'observer finement le travail des autres tout en développant leur propre regard critique. Ils s'exercent à distinguer un style, une voix artistique, une manière singulière d'habiter le plateau. Ils développent leur capacité à réécrire, à ajouter, supprimer ou déplacer des éléments afin de renforcer la cohérence de leur propos sans jamais perdre la spontanéité du jeu vivant.

L'un des fils conducteurs de la formation consiste à privilégier le chemin plutôt que le résultat. Les intervenants rappellent régulièrement que la création artistique ne suit jamais une trajectoire parfaitement linéaire. Les hésitations, les détours, les essais, les erreurs et les découvertes font pleinement partie du processus et constituent autant d'occasions de faire émerger une écriture plus personnelle.

Les objectifs pédagogiques sont nombreux. Les stagiaires apprennent notamment à mieux connaître leur personnage clownesque en identifiant sa silhouette, son costume, ses états, son sujet, son rythme, son style d'humour et sa personnalité. Ils développent ensuite une dramaturgie capable de mettre en valeur ce personnage à travers un prétexte dramatique, une scénographie adaptée, des tensions de jeu, des contrastes et une véritable progression narrative. Enfin, ils acquièrent la capacité de rejouer leurs propositions devant un public tout en restant suffisamment disponibles pour adapter leur écriture à la relation vivante qui se crée avec les spectateurs.

Au-delà de l'écriture d'un spectacle, la formation cherche également à développer une dramaturgie des sensations. Les participants expérimentent les liens permanents entre écriture et jeu, mais aussi entre jeu et écriture, afin de construire une création qui ne repose pas uniquement sur le récit mais aussi sur les émotions, les perceptions, les états de présence et tout ce qui constitue la « chair » du clown. Cette approche sensible donne naissance à des spectacles profondément incarnés, où la technique reste toujours au service de la relation humaine.

La formation s'adresse exclusivement aux artistes du spectacle vivant déjà engagés dans une démarche de création et porteurs d'un projet d'écriture. Les candidatures en équipe sont également possibles pour les compagnies souhaitant développer un spectacle collectif. Une implication totale est demandée aux participants, tant dans les propositions individuelles que dans les recherches collectives, qui sollicitent le corps, la sensibilité, l'écoute et l'engagement artistique de chacun.

Le parcours se conclut par trois représentations publiques organisées à Rennes les 16, 17 et 18 octobre 2026, accompagnées d'une création lumière spécialement conçue pour mettre en valeur les projets développés durant la formation. Ces présentations offrent aux artistes l'occasion d'éprouver leur travail devant un véritable public et de confronter leur écriture à la réalité du plateau, ultime étape d'un parcours de création particulièrement riche et exigeant.

La Grande Famille des Clowns